Dal 1956 la frequentazione di Mattia Moreni, già conosciuto ai tempi della scuola di Varoli, porta Giulio Ruffini a sperimentare nuove forme e nuovi linguaggi; se fino a questa data la sua attività artistica si è concentrata su ritratti, nature morte e scene contadine dal sapore realista (tematica che continuerà a dipingere per tutta la vita, sia per l’intima familiarità del soggetto, sia per le richieste della committenza), dalla fine degli anni Cinquanta l’artista indaga forme di convergenza fra il linguaggio realista e le poetiche informali ed espressioniste. Questa ricerca troverà un felice esito nelle numerose ”Crocifissioni” che si susseguono negli anni Sessanta, in un crescendo di accenti dolorosi e drammatici.

Nel 1957 diventa insegnante di “Disegno e Figura” al Liceo Artistico di Ravenna, attività che proseguirà fino al 1982. A Ravenna Ruffini dipinge vedute urbane e scene di genere che raccontano lo stile di vita cittadino; dalla frequentazione della città nasce una riflessione sulla mutazione del paesaggio da rurale a metropolitano, sulla fine della civiltà contadina e di quell’etica del lavoro e della fatica ereditata della madre. La serie degli “Incidenti”, cui Ruffini si dedica per qualche anno a partire dal 1964, con i suoi grovigli di corpi e lamiere e con i suoi enigmatici cartelli stradali, vuole essere una metafora del pericoloso avanzare della modernità.

Negli anni Sessanta continuano le partecipazioni a manifestazioni nazionali: nel 1965 vince il premio cartone per mosaico “Omaggio a Dante”, mentre si aggiudica il secondo premio a Suzzara nel 1960 e nel 1967 con le opere “Natura morta povera” e “Uomo travolto” (olio su tela, 1965), come pure al “Premio Silvestro Lega” di Modigliana (FC) nel 1963, e al “Premio Campigna” di Santa Sofia (FC) nel 1967 e nel 1973. Nel 1968 viene pubblicata dalla Galleria d’Arte La Bottega di Ravenna l’importante monografia curata da Raffaele De Grada che rappresenta il primo organico tentativo di storicizzazione della sua opera.

Negli stessi anni le serie della ”Scomparsa della Romagna”, dei “Monumenti” dedicati alla madre, al contadino, al poeta contadino, delle “Rovine, delle “Archeologie” inaugurano una nuova fase di Giulio Ruffini, che dalla fine degli anni Sessanta si dedica a una ricerca intimistica introspettiva, dando vita a opere dalla forte connotazione simbolica e allegorica, in cui dato reale e ricordi convivono in atmosfere dal sapore surrealista. I protagonisti sono ancora una volta il mondo rurale e la cultura contadina, percepiti ormai da Ruffini come simboli di un mondo scomparso. Il tono malinconico di questi dipinti si trasforma in sarcasmo nei disegni e nelle incisioni, in cui Ruffini racconta satiricamente ed allegoricamente la realtà politica italiana.

Nei due decenni successivi Giulio Ruffini nella sua casa-studio di Mezzano è molto prolifico dal punto di vista artistico, tuttavia diventa più schivo ad apparire in pubblico. Tra le partecipazioni più rilevanti a partire dagli anni Settanta si ricordano la Biennale d’Arte “Città di Milano” (Palazzo della Permanente, 1971), la grande mostra “Tre artisti in Romagna: Piraccini, Ruffini, Sartelli” presentata da Francesco Arcangeli (Faenza, 1973), “Disegno e piccola scultura” (Milano, 1976), “Arte e mondo contadino” (Torino e Matera, 1980), la Biennale Nazionale di Grafica “A. Martini” (Oderzo, 1988), “Pittura in Romagna. Aspetti e figure del ‘900” (Cesena, 2001).

Da citare le mostre personali che gli vengono dedicate a Ferrara presso Palazzo dei Diamanti (1970), a Ravenna presso la Galleria La Bottega (1972), la Loggetta Lombardesca (1997) e la Biblioteca Classense (2007), a Forlì a Palazzo Albertini (2002), ad Alfonsine (2006) e a Lugo nel 2011, pochi mesi prima della sua scomparsa.

Giulio Ruffini muore a Ravenna il 1° settembre 2011, a 90 anni.

Dal 1956 la frequentazione di Mattia Moreni, già conosciuto ai tempi della scuola di Varoli, porta Giulio Ruffini a sperimentare nuove forme e nuovi linguaggi; se fino a questa data la sua attività artistica si è concentrata su ritratti, nature morte e scene contadine dal sapore realista (tematica che continuerà a dipingere per tutta la vita, sia per l’intima familiarità del soggetto, sia per le richieste della committenza), dalla fine degli anni Cinquanta l’artista indaga forme di convergenza fra il linguaggio realista e le poetiche informali ed espressioniste. Questa ricerca troverà un felice esito nelle numerose ”Crocifissioni” che si susseguono negli anni Sessanta, in un crescendo di accenti dolorosi e drammatici.

Nel 1957 diventa insegnante di “Disegno e Figura” al Liceo Artistico di Ravenna, attività che proseguirà fino al 1982. A Ravenna Ruffini dipinge vedute urbane e scene di genere che raccontano lo stile di vita cittadino; dalla frequentazione della città nasce una riflessione sulla mutazione del paesaggio da rurale a metropolitano, sulla fine della civiltà contadina e di quell’etica del lavoro e della fatica ereditata della madre. La serie degli “Incidenti”, cui Ruffini si dedica per qualche anno a partire dal 1964, con i suoi grovigli di corpi e lamiere e con i suoi enigmatici cartelli stradali, vuole essere una metafora del pericoloso avanzare della modernità.

Negli anni Sessanta continuano le partecipazioni a manifestazioni nazionali: nel 1965 vince il premio cartone per mosaico “Omaggio a Dante”, mentre si aggiudica il secondo premio a Suzzara nel 1960 e nel 1967 con le opere “Natura morta povera” e “Uomo travolto” (olio su tela, 1965), come pure al “Premio Silvestro Lega” di Modigliana (FC) nel 1963, e al “Premio Campigna” di Santa Sofia (FC) nel 1967 e nel 1973. Nel 1968 viene pubblicata dalla Galleria d’Arte La Bottega di Ravenna l’importante monografia curata da Raffaele De Grada che rappresenta il primo organico tentativo di storicizzazione della sua opera.

Negli stessi anni le serie della ”Scomparsa della Romagna”, dei “Monumenti” dedicati alla madre, al contadino, al poeta contadino, delle “Rovine, delle “Archeologie” inaugurano una nuova fase di Giulio Ruffini, che dalla fine degli anni Sessanta si dedica a una ricerca intimistica introspettiva, dando vita a opere dalla forte connotazione simbolica e allegorica, in cui dato reale e ricordi convivono in atmosfere dal sapore surrealista. I protagonisti sono ancora una volta il mondo rurale e la cultura contadina, percepiti ormai da Ruffini come simboli di un mondo scomparso. Il tono malinconico di questi dipinti si trasforma in sarcasmo nei disegni e nelle incisioni, in cui Ruffini racconta satiricamente ed allegoricamente la realtà politica italiana.

Nei due decenni successivi Giulio Ruffini nella sua casa-studio di Mezzano è molto prolifico dal punto di vista artistico, tuttavia diventa più schivo ad apparire in pubblico. Tra le partecipazioni più rilevanti a partire dagli anni Settanta si ricordano la Biennale d’Arte “Città di Milano” (Palazzo della Permanente, 1971), la grande mostra “Tre artisti in Romagna: Piraccini, Ruffini, Sartelli” presentata da Francesco Arcangeli (Faenza, 1973), “Disegno e piccola scultura” (Milano, 1976), “Arte e mondo contadino” (Torino e Matera, 1980), la Biennale Nazionale di Grafica “A. Martini” (Oderzo, 1988), “Pittura in Romagna. Aspetti e figure del ‘900” (Cesena, 2001).

Da citare le mostre personali che gli vengono dedicate a Ferrara presso Palazzo dei Diamanti (1970), a Ravenna presso la Galleria La Bottega (1972), la Loggetta Lombardesca (1997) e la Biblioteca Classense (2007), a Forlì a Palazzo Albertini (2002), ad Alfonsine (2006) e a Lugo nel 2011, pochi mesi prima della sua scomparsa.

Giulio Ruffini muore a Ravenna il 1° settembre 2011, a 90 anni.

pennellata, velatura su velatura il dipinto prende forma, dal fondo si stagliano gli elementi ritratti.

Forme e colori divengono oggetti, paesaggi, persone.

Il processo pittorico prevede un tempo di lavoro, che non è solamente un “tempo tecnico” di

esecuzione, ma un momento in cui l’autore rielabora pensieri e ricordi che confluiscono man mano

sulla tela, contribuendo poi al risultato finale. Nella fotografia solitamente si affida tutto a uno scatto,

in un solo istante si sceglie di riprendere un soggetto, piuttosto che un altro, un’angolatura o un’altra.

Meana in questo progetto sceglie di procedere come un pittore: le sue fotografie sono costruite

sovrapondendo varie immagini tese a realizzare un vero e proprio racconto, racchiudendo

sensazioni e ricordi. Il punto di partenza sono fotografie di viaggio o di luoghi a lei cari, che in

questo modo si trasformano divenendo qualcosa di unico, legato indissolubilmente al suo vissuto.

In un primo momento chi guarda rimane affascinato dalla bellezza dei luoghi e dei colori, per poi

iniziare a perdersi nella lettura dei singoli elementi di cui è composta la foto. Questa minuzia di

dettagli ricorda un po’ i paesaggi di Brueghel dove la vista si perde tra le decine di figure che animano

la scena. Si nota, inoltre, una grande attenzione per la scala cromatica e la costruzione compositiva.

Anche se, a detta dell’autrice, la spinta per realizzare questo progetto, sia nata dalla percezione di un

mondo “inquinato “ da fotografie, il risultato denota una crescita e maturità di percorso; una scelta di

utilizzare la fotografia come mero strumento atto alla costruzione di qualcosa di più grande.”

pennellata, velatura su velatura il dipinto prende forma, dal fondo si stagliano gli elementi ritratti.

Forme e colori divengono oggetti, paesaggi, persone.

Il processo pittorico prevede un tempo di lavoro, che non è solamente un “tempo tecnico” di

esecuzione, ma un momento in cui l’autore rielabora pensieri e ricordi che confluiscono man mano

sulla tela, contribuendo poi al risultato finale. Nella fotografia solitamente si affida tutto a uno scatto,

in un solo istante si sceglie di riprendere un soggetto, piuttosto che un altro, un’angolatura o un’altra.

Meana in questo progetto sceglie di procedere come un pittore: le sue fotografie sono costruite

sovrapondendo varie immagini tese a realizzare un vero e proprio racconto, racchiudendo

sensazioni e ricordi. Il punto di partenza sono fotografie di viaggio o di luoghi a lei cari, che in

questo modo si trasformano divenendo qualcosa di unico, legato indissolubilmente al suo vissuto.

In un primo momento chi guarda rimane affascinato dalla bellezza dei luoghi e dei colori, per poi

iniziare a perdersi nella lettura dei singoli elementi di cui è composta la foto. Questa minuzia di

dettagli ricorda un po’ i paesaggi di Brueghel dove la vista si perde tra le decine di figure che animano

la scena. Si nota, inoltre, una grande attenzione per la scala cromatica e la costruzione compositiva.

Anche se, a detta dell’autrice, la spinta per realizzare questo progetto, sia nata dalla percezione di un

mondo “inquinato “ da fotografie, il risultato denota una crescita e maturità di percorso; una scelta di

utilizzare la fotografia come mero strumento atto alla costruzione di qualcosa di più grande.”